Thematische Einführung
Als Musikwissenschaftler, dessen Schwerpunkt auf der Alten Musik liegt, beobachten wir seit einigen Jahrzehnten eine spannende Erweiterung des Forschungs- und Aufführungshorizonts: Die Prinzipien der Historischen Aufführungspraxis (HAP), ursprünglich für Musik des Mittelalters, der Renaissance und des Barock entwickelt, werden zunehmend auch auf das Repertoire des 19. Jahrhunderts angewandt. Robert Schumann, einer der zentralen Komponisten der deutschen Romantik, steht dabei im Fokus einer besonders aufschlussreichen Auseinandersetzung, insbesondere wenn es um die Interpretation seiner instrumentalen Konzerte geht. Das Klavierkonzert a-Moll op. 54, das Cellokonzert a-Moll op. 129 und das Violinkonzert d-Moll WoO 23 sind Werke, deren Klangbild und Ausdruckswelt durch die Verwendung von Instrumenten aus der Zeit Schumanns eine gänzlich neue, oft verblüffende Perspektive erhalten.
Die Rekonstruktion eines authentischeren Klangbildes ermöglicht es uns, über die gewohnten Hörkonventionen hinauszuhorchen und die spezifischen Klangideale und Ausdrucksmöglichkeiten zu erforschen, die Schumann selbst vorschwebten. Dieser Ansatz ist weit mehr als eine historische Kuriosität; er ist ein methodisches Instrument, um die musikalische Sprache Schumanns in ihrer ursprünglichen Brillanz, Transparenz und emotionalen Tiefe neu zu entdecken, oft in deutlichem Kontrast zu den opulenteren, homogenisierteren Klangvorstellungen späterer Epochen und der modernen Aufführungstradition.
Historischer Kontext & Werkanalyse
Die Auseinandersetzung mit Schumanns Konzerten auf historischen Instrumenten erfordert ein tiefes Verständnis des Instrumentariums und der Aufführungspraxis seiner Zeit.
Das Instrumentarium der Romantik
- Das Fortepiano im 19. Jahrhundert: Für das Klavierkonzert a-Moll ist die Wahl des Soloinstruments von entscheidender Bedeutung. Schumann komponierte für Instrumente, die sich deutlich von modernen Konzertflügeln unterscheiden. Klaviere aus der Mitte des 19. Jahrhunderts (z.B. von Conrad Graf, Streicher, Érard, Pleyel) besaßen oft einen leichteren Anschlag, eine geringere Saitenspannung, gerade Besaitung und eine andere Konstruktion des Resonanzbodens. Dies führte zu einem klareren, perlend-transparenten Klang, einer schnelleren Klangabnahme und einer ausgeprägteren Differenzierung der Register. Die dynamische Skala war oft kleiner als heute, aber nuancierter. Pedalisierung (z.B. die differenzierte Nutzung des Verschiebe- oder Moderatorpedals) hatte andere klangliche Auswirkungen. Die Transparenz des Fortepianos lässt Schumanns komplexe Polyphonie und den Dialog zwischen Solist und Orchester in einem neuen Licht erscheinen, vermeidet ein Verschwimmen der Stimmen und betont die kammermusikalische Qualität des Werkes.
- Historische Streichinstrumente: Im Cello- und Violinkonzert beeinflussen Darmsaiten, ein leichterer und anders konstruierter Bogen (Tourté-Bogen in seinen früheren Formen) sowie eine geringere Saitenspannung den Klangcharakter maßgeblich. Der Klang ist runder, obertonreicher und weniger scharf als bei Stahlsaiten, die Ansprache weicher und die Möglichkeit eines kontinuierlichen, starken Vibratos eingeschränkt. Vibrato wurde eher als Ornament denn als konstantes Klangelement eingesetzt, was eine klarere Artikulation und einen direkteren Zugang zu Schumanns melodischen Linien und harmonischen Strukturen ermöglicht.
- Historische Blasinstrumente und Pauken: Auch die Holz- und Blechblasinstrumente unterschieden sich. Flöten, Oboen, Klarinetten und Fagotte mit weniger Klappen und anders geformten Bohrungen hatten eine spezifischere Klangfarbe und unterschiedliche Intonationseigenschaften, die Schumann in seinen Orchestrierungen einkalkulierte. Naturhörner und Naturtrompeten, die noch oft Verwendung fanden, lieferten andere Klangfarben und Artikulationen als die später aufkommenden Ventilinstrumente. Pauken mit Naturfellen und weicheren Schlegeln trugen zu einem weniger perkussiven, runderen und in den Orchesterklang integrierteren rhythmischen Akzent bei.
Aufführungspraktische Implikationen
Die HAP für Schumann geht über das reine Instrumentarium hinaus. Sie umfasst Aspekte wie:
- Tempo und Agogik: Zeitgenössische Quellen und Metronomangaben legen oft schnellere Grundtempi nahe, die jedoch durch eine flexiblere Agogik und ein differenziertes Rubato belebt wurden, das Schumanns Ausdruckswillen entgegenkam.
- Artikulation und Phrasierung: Eine weniger durchgängige Legato-Haltung, differenziertere Stricharten und Bläsermanipulationen trugen zu einer klareren, sprechenderen musikalischen Erzählung bei.
- Dynamik: Während moderne Orchester oft extreme dynamische Kontraste ausreizen, waren die Dynamikbereiche auf historischen Instrumenten subtiler und feiner abgestuft, was eine Konzentration auf innere Spannungen und feinere Nuancen erforderte.
- Orchestergröße und -aufstellung: Kleinere Orchesterbesetzungen und historische Aufstellungspraktiken (z.B. geteilte Violinen) führten zu einem transparenteren Gesamtklang, der die detaillierte Binnenstruktur von Schumanns Partituren besser zur Geltung brachte.
Bedeutende Einspielungen & Rezeption
Die Rezeption von Schumanns Konzerten auf historischen Instrumenten hat sich im Laufe der letzten Jahrzehnte stark gewandelt. Anfangs oft mit Skepsis betrachtet, hat sich diese Interpretationsweise zunehmend etabliert und bereichert das Spektrum der Schumann-Forschung und -Aufführung.
Pionierleistungen und Entwicklung
Die ersten mutigen Schritte wurden von Interpreten und Ensembles gewagt, die sich bereits im Barock- und Klassikrepertoire einen Namen gemacht hatten. Für das Klavierkonzert sind Einspielungen mit Fortepianisten wie Ronald Brautigam, Andreas Staier oder Robert Levin, oft in Zusammenarbeit mit führenden Originalklang-Orchestern wie dem Orchestre des Champs-Élysées (Philippe Herreweghe), dem Freiburger Barockorchester oder dem Anima Eterna Brugge (Jos van Immerseel), hervorzuheben. Diese Aufnahmen demonstrieren eindrucksvoll die neuen klanglichen Möglichkeiten und eröffnen oft überraschende Einblicke in Schumanns pianistischen Satz.
Für das Cello- und Violinkonzert sind Einspielungen mit Solisten wie Jean-Guihen Queyras (Cello) oder Isabelle Faust (Violine) in Verbindung mit Ensembles wie dem Freiburger Barockorchester oder dem Mahler Chamber Orchestra unter Leitung von Pablo Heras-Casado oder Daniel Harding bemerkenswert, die zwar nicht immer ausschließlich mit historischen Instrumenten im strengsten Sinne arbeiten, aber doch stark von der historisch informierten Aufführungspraxis beeinflusst sind, insbesondere in Bezug auf Phrasierung, Vibrato und Klangbalance.
Rezeption und Erkenntnisse
Die Kritik reagierte zunächst gemischt. Während einige die neue Transparenz, die Entschlackung der Texturen und die frisch entdeckten Details lobten, bemängelten andere eine vermeintliche „Kälte“ oder das Fehlen der „romantischen Wärme“, die man mit Schumann assoziierte. Doch mit zunehmender Verbreitung und verfeinerter Technik der HAP-Ensembles hat sich die Akzeptanz deutlich erhöht.
Die bedeutendsten Erkenntnisse aus diesen Einspielungen und Aufführungen sind vielfältig:
- Klarheit der Textur: Die oft als „dicht“ oder „dick“ empfundenen Orchestrierungen Schumanns gewinnen auf historischen Instrumenten an Transparenz, wodurch innere Stimmen und kontrapunktische Details, die zuvor verborgen blieben, deutlich hervortreten.
- Rethinking Dynamics: Eine Neubewertung der dynamischen Palette und des Einsatzes von Akzenten führt zu einer differenzierteren und oft weniger überzogenen Interpretation der emotionalen Ausdruckswelt Schumanns.
- Dialogische Qualität: Das Zusammenspiel zwischen Solist und Orchester wird kammermusikalischer. Die Solistenstimme ist nicht immer überstrahlend, sondern oft subtil in den Orchesterklang eingebettet, was dem Schumannschen Ideal des Gesprächskonzertes näherkommt.
- Technische Anforderungen: Die vermeintlichen „Unbeholfenheiten“ oder „schlechten Orchestrierungen“ Schumanns werden oft als missverstandene Anpassung an das damalige Instrumentarium entlarvt. Auf historischen Instrumenten sind die technischen Passagen oft effektiver und klanglich logischer umsetzbar.